miércoles, 26 de julio de 2017

Darle la vuelta al mundo

Por Valeria Arèvalos


Julio Verne es considerado como uno de los padres de la ciencia ficción. En sus novelas, creaba recorridos extraordinarios y viajes asombrosos, tomando como elementos nodales los avances científicos y tecnológicos de la época. Por un lado, su obra tenía una carga educativa muy fuerte y, por otro, una impronta innovadora que, màs de una vez, fantaseò con descubrimientos que tendrían lugar en un futuro posterior a su muerte (el viaje a la luna, el descubrimiento de los polos, la creación del ascensor, entre otros tantos).



En esta adaptación de Fernàn Cardama y Claudio Hochman de la novela La vuelta al mundo en 80 dìas, se retoma el espíritu de Verne y se apuesta fuerte a la imaginación, creando una atmòsfera lúdica que atrapa a grandes y chicos. Para esto, Cardama interpreta al mayordomo de Phileas Fogg, Passpartout, y valiéndose de juguetes antiguos va relatando la travesìa que lo llevò, junto a su amo, a recorrer destinos exòticos y paisajes lejanos.
Una muy buena muestra de còmo el teatro es juego y que no hay lìmites para la imaginación.


Mención especial del jurado de la Feria de Teatro en el Sur, Palma del Río, (España) la recibió Fernán Cardama, por el monólogo que realizó en su espectáculo infantil La vuelta al mundo en 80 días,adaptación de la novela de Verne y por su novedosa puesta en escena. Por su propuesta inteligente y sensible para públicos familiares. Año 2004.
Premio "Imagina 2005 - 2006" al Mejor Espectáculo, otorgado por el Centro Cultural de la Villa de Nerja, España-
Primer Premio Fiesta Provincial del Teatro de la Provincia de Buenos Aires. Argentina 2016.
Primer Premio Festival Regional de Teatro Independiente, La Plata, Pcia. Buenos Aires, Argentina. Octubre 2015.
Representante de la Provincia de Buenos Aires en la Fiesta Nacional del Teatro. Tucumán 2016
Primer Premio Fiesta Provincial del Teatro de la Provincia de Buenos Aires. Argentina 2016.
Premio mejor espectáculo de pequeño formato. Feria europea de Teatro para Niños y Niñas. FETEN 2004 (Gijón- España)
Ficha técnico artística

Duración: 45 minutos

MAIPO KABARET
Esmeralda 449 2do Piso (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4322-4882/8238
Web: http://www.maipo.com.ar
Entrada: $ 200,00 - Domingo y Sábado - 16:30 hs - Del 24/06/2017 al 13/08/2017
Entrada: $ 200,00 - Martes, Miércoles, Jueves y Viernes - 16:30 hs - Del 18/07/2017 al 28/07/2017 


viernes, 21 de julio de 2017

Romper esa maldita monotonía. Sobre “Esa cosa” de Pepe Márquez

Romper esa maldita monotonía
Sobre “Esa cosa” de Pepe Márquez
Por Vivi Montes

            A partir de una historia simple, la monotonía de la cotidianeidad, el Grupo Ensamble Tempeste elabora y presenta una puesta que apuesta a lo visual a través de diversos elementos. La narración tiene lugar a partir de la repetición, la acción física, lo musical y la manipulación de objetos varios. La reiteración de secuencias de acción está bien trabajada y no resulta demasiado repetitiva, sin embargo, se podría condensar mejor las muchas ideas que habitan esta puesta.

            Lo fantástico irrumpe en la pesada cotidianeidad que lleva al hombre de casa al trabajo y del trabajo a la casa. Entonces, el hombre aburrido de vivir, agobiado, agotado ingresa en un submundo donde lo surrealista se hace presente generando un giro en la historia y expandiendo el impacto visual en el que la puesta se apoya. El ajuste de algunos detalles lumínicos y espaciales podría conferir a Esa cosa una potencia aún mayor.

 
Ficha artístico técnica:

Dirección, dramaturgia y coreografía: Pepe Márquez
Música original: Fabio Zurita
Diseño de vestuario, escenografía y objetos: Lucía Lossada, Pepe Márquez
Actúan, bailan y manipulan objetos: Pedro Risi, Gabriela Pekers, Natalia Ayzenberg, Mariana Barceló, Pepe Márquez
Realización vestuario, escenografía y objetos: Lucía Lossada, Virgina Pioli, Clara Valente, Julia di Blasi, Paula García, Valeria Nesis, Camila Colombo

Producción: Ensamble Tempeste 

Funciones Sábados 22:30hs
G104 Gascón 104 (CABA)

martes, 11 de julio de 2017

Gracias por domesticarnos. Sobre "El viejo príncipe" de César Brie

Gracias por domesticarnos
Sobre “El viejo príncipe” de César Brie

Por Vivi Montes

            Durante muchos años, ver una obra de César Brie en Buenos Aires era una verdadera odisea. Sucedía muy cada tanto, todos queríamos asistir y se agotaban los lugares para ser partícipes de aquel banquete teatral. Hoy, César ha vuelto y volvió con todo. Para nuestra buena fortuna podemos ver en cartel siete puestas que llevan el sello inequívoco de Brie. En esta ocasión, tuvimos la oportunidad de deslumbrarnos y emocionarnos con El viejo príncipe, versión libre de El principito de Antoine de Saint-Exupéry.

            Se trata de una puesta simple, tan simple como un juego de niños. De modo que como un juego de niños tiene la mágica capacidad de transportamos de planeta en planeta, de hacernos conocer a los más disparatados (aunque cercanos) personajes de los más lejanos mundos y cambiar nuestro rol de espectadores por el rol de la vivencia más plena. Así, Antoine (Fabio Magnani), Flor (Vera Dalla Pasqua) y El viejo (César Brie) hacen desfilar ante nuestros ojos unos personajes hermosos, construidos con el talento del actor/actriz que lo da todo, que cuida hasta el más mínimo detalle corporal, hace de cada movimiento un hecho poético y de cada palabra un pequeño cofre de tesoros.

            Esta versión del Principito es una maravillosa oportunidad para que niños, niñas y adultos nos encontremos en torno a una puesta donde lo lúdico nos atraviesa, la magia teatral nos interpela y el viaje de la vida que transcurre entre la niñez y la vejez se revela como una hermosa experiencia. Nos vamos con los ojos y el alma llenos de emoción y un profundo agradecimiento: gracias César por domesticarnos.

Ficha artístico técnica:


Texto y dirección: César Brie
Actúan: Vera Dalla Pasqua, Fabio Magnani, César Brie
Música: Pablo Brie
Fotografía: Paolo Porto
Producción en Argentina: Larisa Rivarola Szabason, Banfield Teatro Ensamble
Prensa: Simkin & Franco
Diseño gráfico: Martín Bolaños

Funciones:
Sala Santos 4040
Domingos 15hs

Función extra Sábados 17hs 

lunes, 10 de julio de 2017

Una de vínculos fallidos y humor. Sobre “Casi siempre hay un sillón”

Una de vínculos fallidos y humor
Sobre “Casi siempre hay un sillón”
4 historias argentinas
Por Vivi Montes

            Luego de diez funciones continúa, con gran afluencia de público, Casi siempre hay un sillón. 4 historias argentinas. Con buenas actuaciones, la función transcurre escalonada en cuatro historias diferentes que, en líneas generales, presentan algún vínculo con la historia nacional mientras revelan la dificultad para sostener ciertos vínculos humanos. Sea cual fuera el estatus de la relación el desencuentro, la incomunicación y el miedo se cuelan en el entre-dos, todo abordado en clave de humor. Los pequeños intervalos entre escenas permiten las transiciones escenográficas sin descuidar la atención y la risa del espectador.

            Dos a solas, El que puso dólares recibirá dólares, Estas son horas de llegar (de Juan Scaufalos) y Extraño nuestra vida anterior (de Ernesto Felder) son las historias que transitan nuestra historia abordando lateralmente la proscripción del peronismo y la crisis del 2001. Las preguntas que sobrevuelan la puesta son ¿cómo es el encuentro de dos personas que se amaron hace 20 años? ¿qué mensaje transmitir en un país patas para arriba? ¿familia que calla permanece unida? y ¿vuelve?


Ficha artístico técnica:

Actúan: Sandra Baylac, Marcelo Aruj, Mariano Roca, Javier López Galván y Juan Pablo Raele
Iluminación: Adrián Grimozzi y Candelaria Sesin
Diseño y comunicación: Chacra
Dirección: Juan Scoufalos
Asistencia de dirección: Julia Loreto

Funciones Viernes 21:30hs

Teatro El Piccolino

martes, 4 de julio de 2017

Rainbow: salir de la zona de confort

Por Mariana Jaqueline Ramirez

Hace unas semanas me tope en el barrio porteño de Almagro con un lugar fascinante: La vieja Guardia (Guardia vieja 3777). Una vieja casona con un largo patio donde se puede tomar unos aperitivos, comer alguna delicia casera, escuchar buena música de fondo, todo eso al aire libre, si uno así lo desea. Realmente es un lugar único y fascinante en un barrio que está repleto de teatros independientes.



En este refugio artístico se vuelve a presentar desde el próximo viernes Rainbow (las últimas horas). La obra cuenta cómo un grupo de viajeros opta por alojarse en las ruinas mayas ubicadas en México para vivir una aventura en los últimos días del mes de diciembre. Parte del grupo posee un cierto afán cósmico -reinante en la zona- y en parte hippie mezclado con aires naturistas, de esa manera, se disponen a vivir esos días como si fuera el fin del mundo. Pero no están solos, los acompaña Emiliano (interpretado sólidamente por Gonzalo Ariel Villanueva) un lugareño que conoce muy bien ese sitio y se las rebusca trabajando como guía turístico. Este hombre de corazón revolucionario tiene un camión equipado con una maquinaria que le permite realizar una radio, su objetivo es transmitir el día a día de la resistencia. Pues, el trasfondo del relato en esta pieza es la represión de campesinos en los campos de maíz.

Entre todos los personajes comentados interrumpe en escena: Leonilda (interpretado por Julia Funari), madre del único mexica, ella es una auténtica líder guerrillera. Su llegada genera una profunda desestabilización en la estadía de los turistas, pero a su vez, les brinda seguridad para seguir adelante con su deseo personal de llevar acabo la guerrilla.
El grupo en su afán de estar en “trance” logra salir de su zona de confort, justamente lo que quería parte de esos jóvenes, y entran gracias a Leonilda a una zona nueva donde predomina el aprendizaje, el descubrimiento, y quizás, una zona algo vertiginosa.
Si bien, el tema que tratan con espíritu mexicano parece algo duro de afrontar para un viernes de previa, pero lo que finalmente producen los personajes es una invitación a la renovación de los locos sueños, fantaseando con mundos posibles.
Los que forman parte de este elenco son geniales, se destacan con un minucioso trabajo en equipo, cada personaje está realizado con carisma y poseen una cualidad que los identifica a lo largo de la acción, entre ellos están los liberales que aman la naturaleza, los “ni”, la mujer obsesionada por los objetos y la limpieza, y por último, los más comprometidos con los acontecimientos sociales. Así mismo, la pieza está pensada para todo tipo de público, por lo cual, la recepción de la puesta es muy positiva y se refleja en el público presente en la sala.


Como si fuera poco, la parte técnica, como ser: la eficacia de la iluminación, el sonido y la escenografía, que valga la redundancia son unas carpas que simulan un campamento, están en conexión con la puesta en escena en general.

En definitiva, la pieza busca una reflexión que se acerca a la actualidad pero tiene ecos en el pasado. Es un vaivén entre el humor y la magia producida por los personajes y el trasfondo de una época oscura de la que aun hoy hay secuelas. Recomiendo ir a esta espacio independiente, y fundamentalmente ver Rainbow (las últimas horas). La obra estará en cartel hasta el mes de agosto en un día y horario accesible (Viernes 20hs), y con la modalidad de “a la gorra” para seguir haciendo frente a las grandes producciones de la calle Corrientes.



Ficha técnico-artística
Dramaturgia: Horacio Nin Uría / Actúan: Guillermo Berthold, Julia Funari, Ximena Seijas, Roman Tanoni, Sol Tester, Gonzalo Ariel Villanueva / Diseño de vestuario: Mercedes Uria / Diseño de escenografía: Esteban Siderakis / Diseño de luces: Facundo David / Diseño sonoro: Mariano Katz / Fotografía: Pia Leavy / Diseño gráfico: Jonatan Kluk / Producción: Silvina Bernabé Flores, Fabio Petrucci / Supervisión coreográfica: Jimena García Blaya / Dirección: Juan Ruy Cosin, Horacio Nin Uría.

Espacio: La Vieja Guardia / Dirección: Guardia Vieja 3777 C.A.B.A. / Funciones: Viernes a las 20hs.

viernes, 23 de junio de 2017

Una voz recuperada. Sobre “Isabel de Guevara. La carta silenciada”

Una voz recuperada
Sobre “Isabel de Guevara. La carta silenciada

Por Vivi Montes

            Una vez más, es el arte quien corre el velo del olvido e interpela a las historias oficiales para ayudar a nuestra memoria desmemoriada a rescatar a quienes quedaron en los márgenes, se cayeron de las crónicas y se acallaron en los libros  de historia. Isabel de Guevara. La carta silenciada enuncia la voz de las mujeres que participaron en la conquista de América. Rescatando la carta que Isabel de Guevara enviara a la reina Juana de España en 1556, la puesta da cuenta de las voces olvidadas. Las testigos del horror, de las fechorías se reúnen aquí en un único relato que las revive.
 
            Son tres mujeres las que, en diferentes roles, se dan hoy a esta tarea. El texto corresponde a Alicia Muñoz, la dirección está a cargo de María Esther Fernández y la actuación es de Mónica Villa. La actriz le imprime plasticidad al extenso monólogo con tal cantidad y calidad de matices que concentra la atención del espectador segundo a segundo sin más instrumento que su propia actuación. Nada más y nada menos. Con inteligencia impregna cada segmento con la energía y con las emociones justas. Así, Isabel de Guevara se hace presente junto a todas las otras damas, protagonistas de la Historia convenientemente silenciadas.
El descuido de algunos detalles desluce la gran labor de la actriz y el prodigioso trabajo de vestuario, sin llegar sin embargo, a opacarlos ya que en ambos casos, merced a sus trucos, cada uno brilla con luz propia.


FICHA TECNICA:

Diseño y realización de vestuario: Pablo Battaglia
Video: Agustín Bruzzese
Fotografía: Dolores Nougués
Diseño de sonido: Juan Elías Ranieri
Asistencia de dirección: Guadalupe Berrino
Dirección: María Esther Fernández
Prensa: Natalia Bocca


Estreno: 29 de mayo de 2017
Funciones: Lunes a las 20:00 hs.
Teatro del Pueblo.  Av. Roque Sáenz Peña 943. Tel: 4326-3606. CABA


miércoles, 21 de junio de 2017

La tragedia doméstica. Sobre “¿Te duele?” de César Brie

La tragedia doméstica
Sobre “¿Te duele?” de César Brie

Por Vivi Montes

    La casa que fue de los abuelos, que luego será la casa de los hijos y que hoy es el hogar, el refugio del matrimonio ilusionado, el nido del amor. La casa es un ring de boxeo, señalando con crudeza los límites que se desdibujan, hasta por completo adentro, desatando el caos. Apenas unas sogas dibujan los muros, pero son los muros más altos, los más gruesos e impenetrables; allí dentro sucede la tragedia violenta que no tiene escapatoria. En ese pequeño cuadrilátero se expande el peligro de construir un hogar, un matrimonio sellado al vacío, sin comunicación con el exterior, en el encierro que asfixia y lastima.

    La puesta combina textos de una implacable eficacia poética con un altísimo nivel de compromiso físico de los actores. Esta mixtura resulta en una armonía inefable, que consigue transmitir con justeza toda la gravedad del caso, en el amplio arco en el que la violencia doméstica se expresa. Hay palabra dónde algo merece ser dicho y hay sólo cuerpos en acción en el preciso instante en el que debemos recordar la implicación de los cuerpos, las leyes de la física, el dolor, la furia, los tantos motivos por los que un hombre no debe nunca, jamás golpear a una mujer.
 
    ¿Te duele? recorre diversos modos de violencia doméstica. Incluso, sin caer en ninguna justificación burda, despliega con sutileza algunos detalles de la constitución social de la violencia, capa sobre capa. La mirada femenina está presente, su voz temerosa y sufriente. También la voz masculina encuentra su espacio de expresión. Esta puesta nos interpela con la necesidad de reconocer que el universo de la violencia no reconoce fronteras geográficas, ni distinción de clases sociales, simplemente sucede, comienza y es difícil de detener. Distintas situaciones, a modo de rounds, van demostrando que se trata de un producto artístico de esos que funcionan como lupa ante la realidad, hasta culminar en una imagen final que no necesita ya de ninguna palabra, pues todo se ha derrumbado.


Ficha artístico técnica
Marido: César Brie / Mujer: Vera Dalla Pasqua / Escenografía: César Brie /Música: Pablo Brie / Texto y Dirección: César Brie. / Fotografía: Paolo Porto /Producción en Buenos Aires: Larisa Rivarola y Banfield Teatro Ensamble /Prensa en Buenos Aires: Simkin & Franco.

Funciones: sábados a las 22hs.
Teatro: Santos 4040
Dirección: Santos Dumont 4040, Chacarita
Informes: 4554-6353 /http://www.santos4040.com.ar/



sábado, 17 de junio de 2017

Honrar al teatro, honrar la vida. Sobre Orfeo y Eurídice de César Brie

Honrar al teatro, honrar la vida
Sobre Orfeo y Eurídice de César Brie

Por Vivi Montes

            Caronte inaugura la pieza. Se trata de un Caronte con color local, un chango que nos introduce en los pormenores de su labor como comandante de la barca que transporta a los muertos al reino al que pertenecerán ya, para toda la eternidad, el Hades. Caronte nos narra, también, aquella única vez en que un vivo accedió a esos territorios infernales, envalentonado con el poder que otorga la desesperación, Orfeo descendió al inframundo con su música para rescatar a su amada Eurídice.

            Así comienza la obra que luego da inmediato paso a la historia de amor entre Liza y Sofía porque, acertadamente, esta versión del mito clásico construye la pareja protagónica a través de dos mujeres que devendrán Orfeo y Eurídice con el transcurrir de los sucesos. César Brie demuestra mediante esta impecable elección que cualquier pareja clásica puede tener ya cualquier composición. Y funciona, maravillosamente. La pareja femenina configura un universo de una dulzura implacable y nutre a la historia de una ternura que no podría contener de ninguna otra manera. Las actrices Sofía Diambra y Liza Taylor componen y actúan sus personajes con compromiso y ductilidad, convirtiendo cada movimiento, cada palabra y cada mirada en poesía viva que se despliega en la escena. El texto y la música, compuesta por Pablo Brie, completan esta deliciosa puesta.

            Orfeo y Eurídice está inspirada en un caso real en el que un padre estuvo diecisiete años tratando de poner fin al infierno en vida de su hija en estado vegetativo irreversible. En esta ocasión la historia que se presenta es la de una pareja que se conoce, se enamora y comienza a transitar un camino de vida, compañerismo y amor. Las fotos, cuadros vivos que la luz agiganta proyectando las sombras de las protagonistas como una presencia espectral, dan cuenta de las vivencias compartidas también de lo perdido. Un accidente instala la tragedia, Sofía ingresa a un limbo lúgubre, atroz, inalterable. Sofía se convierte en Eurídice y Liza en Orfeo, que no claudica en su dolorosa lucha contra un sistema cuya razón de ser fue ya explicada por Michel Foucault al señalar que la vieja forma monárquica de hacer morir y dejar vivir fue reemplazada, ciencia mediante, por el hacer vivir y dejar morir. Fórmula siniestra que cuida sus formas, pero en la que vivir se reduce a un hilo lábil expresado en un latido débil que resulta de múltiples máquinas responsables de sostenerlo en un tiempo indefinido. Años y años de un vida sin vida… conseguir justicia…

            Orfeo y Eurídice instala la cuestión sobre la muerte digna, que no es otra que la cuestión de la vida digna. Despliega la disputa entre el deseo y ciencia. Y erige, en el centro, la nobleza del amor en un trabajo del que verdaderamente podemos decir que lo que hace es honrar al teatro, honrar la vida.


Ficha artístico técnica:
Actúan: Liza Taylor y Sofía Diambra 

Música original: Pablo Brie
Prensa: Simkin & Franco
Texto y dirección: César Brie

Funciones
Viernes 23hs.

Teatro El Extranjero (Valentín Gómez 3378)

lunes, 5 de junio de 2017

Las dos caras de la burocracia. Sobre DNI - ClanDestino Teatro


Las dos caras de la burocracia
Sobre DNI
ClanDestino Teatro

Por Vivi Montes

            ClanDestino Teatro sube a escena DNI, una obra en la que se exponen las dos caras de la burocracia. Un hombre intenta que se corrija un –aparentemente- pequeño error en su documento de identidad, donde dice Pena, debería decir Peña. Así comienza su penoso tránsito de oficina en oficina, un intento vano de recuperar su identidad que se convierte en manoseo y burla. Al otro lado de la trama, un conjunto de empleadas y empleados sumidos en la alienación más profunda develan un sistema cínico y siniestro que se instituye como una telaraña en la que todos quedan atrapados.


            Entre la oscuridad del sistema, el desorden, la mugre y la locura transcurre la historia del trámite siempre inconcluso, de las trabas estrafalarias y de la perversión burocrática. Con dramaturgia, puesta y dirección de David Bogado y las actuaciones de Cynthia Cabrera, Fernando Martino, Eleonora Pandra y Rodrigo Pedro, DNI interroga en clave de humor un mundo turbio que no resulta ajeno a la realidad de muchas oficinas públicas.

Ficha artístico técnica:

Dramaturgia: David Bogado
Intérpretes: Cynthia Cabrera, Fernando Martino, Eleonora Pandra, Rodrigo Pedro
Asistencia de dirección: Josefina Barrera
Puesta y dirección: David Bogado
Diseño gráfico: Flor Nicolini
Producción: ClanDestino Teatro

Funciones : Viernes 21hs
Espacio Gadí
Av. San Juan 3852 (C.A.B.A)


martes, 23 de mayo de 2017

La caricia tóxica. Sobre Letal de Paola Traczuk


La caricia tóxica
Sobre Letal de Paola Traczuk

Por Gabriela Pignataro


¿Que sería de Caligari sin su gabinete, sin las sombras deformes, los ambientes extrañados, la premonición residual que anticipa lo fatal? ¿Cómo reponer a Frankenstein sin su pater noster positivista, cirujano de las fallas que opera la monstruosidad para subyugar su libertad? Que sería de nuestros fantasmas, sin un cuerpo que dispute el origen de su existencia.
En la historia de la biología lo abyecto y lo deforme han sido temas centrales durante siglos, impulsando grandes aparatos correctivos sobre lo material y lo moral. La literatura ha recogido el guante y ha construido en torno a ello íconos perdurables, de muertos y no-muertos/no-vivos más presentes en la memoria que los que acusan el correr tibio de la sangre.
La tensión en la frontera entre la vida y la after-life, también se vuelve un problema político, cuando lo no-vivo y no por ello decididamente muerto, conforma espectralidades densas que prefiguran representaciones que tienen su peso en los imaginarios populares y en los procesos políticos en ebullición o decadencia. Restos de los escombros de la tragedia clásica, sobrevienen cada vez que un pueblo pide el cuerpo de su líder. La imposibilidad de su exposición, en el mismo sentido de la palabra: exponer, descubrir, revelar; desencadena lo fatal. Todos quieren enterrar sus muertos, alguna vez.

En Letal se entraman con sordidez, lo ominoso, lo político y lo deforme, tensados en una relación de dominación dónde es el cuerpo ausente la catálisis de todo aquello.
En una atmósfera de desastre social, la muerte del general en comando provoca agitación en las calles. El pueblo quiere celebrar los cortejos funerarios, la espera tensa de comprobar el deceso a ataúd abierto.
Rocco es un tanatopractor, que ha sido encargado de preparar al difunto para su velorio. Pero el cadáver desaparece, en una atmósfera turbia y confusa. Rocco sabe que no es viable exponer la verdad. El general tiene que aparecer, sea cuál sea, el cuerpo que se le otorgue.Es en esta destitución del soberano, que se provoca un desplazamiento de poder: será Rocco, quien se convierte en un padre creador, para el cuál Irving quien es su joven ayudante carente de lenguaje social, toma el lugar de efebo en el cual se descarga un vínculo libidinal latente. La fórmula del Dr. creacionista y su experimento maquinal en un cuerpo con órganos aún vivos, retorna.
Cabe destacar el trabajo sobre el lenguaje en la obra, y su importancia en la función narrativa: la lengua educada y compleja de Rocco emplazada en cuerpo envejecido y reprimido que lentamente se vuelto un autómata preso de sus propios vicios, frente a un lenguaje corporal, animalizado en la figura joven y estridente de Irving. Hay aquí, una batalla entre lo domado y lo salvaje, y la puja por el control de lo último.
En Letal, el espacio escénico emulsiona y modifica la obra. En esta temporada de funciones, se desarrolla en la sala teatral del El Gato Viejo espacio del artista plástico Carlos Ragazzoni en la zona de Retiro. El propio lugar en su materialidad concreta (residuos, chatarra, óxido, polvo, insectos) y lo ambiental (los ruidos del tren, el silbido de los aviones que ululan sobre Aeroparque), modifican la atmósfera narrativa de la obra. Podemos imaginar que fuera de ese reducto casi clandestino, sucio y mal iluminado dónde Rocco trabaja, que efectivamente se despliega una coyuntura de convulsión y de humo surcando los cielos. La frialdad de los materiales que constituyen la escenografía general, son preexistentes a la obra y la tiñen inveriablemente, de una textura marginal y precaria: Rocco no maquilla sus muertos en la asepsia brillante de un consultorio ni es acaso, un profesional en la cumbre de su carrera.
En temporadas anteriores la obra ha tomado lugar en el sótano de un edificio de oficinas, y es su intención trasaladar la acción a diferentes espacios no convencionales.
Esta decisión conlleva una reflexión de lo metateatral: qué es un espacio teatral, cómo y cuándo este se figura como tal, cuáles son las condiciones para que haya poiesis.
También se sospecha la pregunta sobre el teatro como el gran científico deforme y la obra, su monstruo liberado.
En Letal, las puertas del gabinete están abiertas y se cierran detrás de nuestro paso.


Ficha técnico artística

Texto: Paola Traczuk
Actúan: Mateo De Urquiza, Mauricio Minetti
Vestuario: Lara J. Cendoya Yussem
Escenografía: Lara J. Cendoya Yussem
Diseño de luces: Lucas Coiro
Diseño sonoro: Ignacio Sanchez
Comunicación:Javier García, Euge Tobal
Asistencia de escenografía:Gisela Ranieri
Asistencia de vestuario:Gisela Ranieri
Asistencia de dirección: Noelia Solmi
Producción: Javier García, Euge Tobal, Paola Traczuk
Dirección: Paola Traczuk


Web: https://www.facebook.com/letalteatro/

Duración: 40 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos

EL GATO VIEJO
Av. Del Libertador 405 
(mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 15-6909-9372
Web: 
http://www.facebook.com/teatroelgatoviejo

Entrada: $ 200,00 - Viernes - 23:00 hs - Hasta el 26/05/201