martes, 8 de mayo de 2018

Una de ciencia ficción. Sobre “Inefable” de Juan Prada


Una de ciencia ficción

Sobre “Inefable” de Juan Prada

Por Vivi Montes

Ingresar a la sala del Abasto Social Club es equivalente, en esta ocasión, a adentrarse en la aventura de llegar a un espacio otro y de dejarse llevar por una temporalidad fluctuante. El clima cambia de inmediato y se sostiene, con solidez, toda la obra. La escenografía, la iluminación y esta historia embebida de ciencia ficción capturan enseguida al espectador.

Un planeta lejano, expediciones, búsqueda, la dificultad de vivir en comunidad, (aunque se trate de una pequeña comunidad) y el recuerdo, como puerta de acceso cubriéndolo todo bajo el manto de la memoria, que termina por condensar todos los sentidos de la puesta. La metáfora sobre la posibilidad de ver mejor en la noche oscura es el núcleo en el que refractan y estallan las historias que componen la trama de Inefable.

Inefable es una apuesta en grande, innovadora. Una producción independiente que se arroja a indagar en un universo maravilloso y poco frecuentado. Los personajes que crearon en el transcurso de su investigación, el texto, la puesta y las actuaciones conforman un proyecto con un gran futuro y una oportunidad para ver ese teatro al que pocos se animan y aún menos conquistan. Un grupo de teatro con ganas y coraje que le hace un justo homenaje a los mejores clásicos del género y aporta novedad a los escenarios porteños.





Ficha artístico-técnica:

Actúan: Julia Berardozzi, Matías Garnica, Dolores Gorostiaga, Nicolas Nanni, Matias Odorico, Lucía Rossi, Grila Vallejo
Voz en off y música: Mariela Centurión
Diseño de escenografía y vestuario: Nicolas Nanni
Diseño De Sonido: Tomás Pojaghi
Realización de escenografia: ON Realizaciones Escenograficas
Asistencia de dirección: Camila Campllonch
Producción: Compañía Udb, Cristian Drut Estudio de Teatro
Texto y Dirección: Juan Prada

Funciones: Domingos 20:30hs.
Abasto Social Club – Yatay 666 (C.A.B.A)

martes, 17 de abril de 2018


Detrás de todo hay un pozo


Por Jaqueline Ramirez


Pozo trata del dominio de un intérprete por estar solo bajo el control de todo lo que sucede en el escenario. El espacio presenta un austero living, donde deambula Clotilde, una mujer de edad viviendo solitariamente pero acompañada por su entorno repleto de objetos: sillón, mesa, teléfono, planta, utensilios de cocina, entre otros. Al parecer, su única compañía son esos objetos puramente materiales que la rodean y que la llevan a perderse en su propio espacio. Así pasa el tiempo dentro de cuatro paredes disfrutando del confort de su hogar, pero también, busca una escapatoria de ese espacio que termina transformándose en claustrofóbico.


La mujer al parecer condensa varias generaciones encima y está afectada por su entorno más directo. El conflicto que presenta está latente en lo que es y lo que pretende ser para los de afuera, que nunca interfieren dentro de su espacio privado. Esta señora de barrio es manejada por el deber de lo que “está bien” mostrar, así cabe preguntarnos a que punto es tomada en serio las cosas que hace y dice.

Este unipersonal es protagonizado por Juliana Ramírez, sus energías empiezan bajas pero con el correr de las escenas su caracterización se intensifica hasta llegar al punto álgido en su desesperada vida. La pieza es una creación de la Compañía Clowneros, del que integra la mismísima Juliana Ramírez, Santiago Legón, y George Lewis, quien tiene amplia formación en clown, circo, y un largo camino recorrido en el escenario con el clown.

Es importante el rol que cumplen la música y los sonidos externos para la creación de las diferentes escenas. Cada una determina un estado diferente que denota la soledad en la que terminan viviendo las personas mayores.


Pozo, sin lugar a dudas es una tierna obra que deja pensando sobre un sector que en algunos casos es abandonado a su suerte viviendo en un mundo rodeado solo de objeto que no suplantan la compañía humana. La pieza se puede ver En El Excéntrico de la 18 (Lerma 420) todos los viernes a las 22hs.



Ficha técnica
Actuación: Juliana Ramírez / Dramaturgia: Santiago Legón, George Lewis y Juliana Ramírez/ Diseño de Escenografía, Utilería y Vestuario: Analía Gaguín / Realización de Vestuario: Verónica Dorado / Diseño de Luces: Christian Gadea / Edición de Sonido: Martín Pompei / Ilustración y Diseño Gráfico: Inés Narvarlatz / Fotografía: Santiago Legón / Prensa: Octavia Comunicación / Producción General: Compañía Clowneros / Asistente de Dirección: Santiago Legón / Dirección: George Lewis.

Teatro: El Excéntrico de la 18 (Lerma 420, CABA) Funciones: Viernes 22hs / Entrada: $ 250. Estudiantes y jubilados: $200.

lunes, 19 de marzo de 2018

Amor polimorfo. Sobre Pornografía sentimental


Amor polimorfo.
Sobre Pornografía sentimental

Por  María Luciana Gandolfo

Hoy te puedo preguntar, qué es lo que pensás de mí

y no me voy a aguantar lo que tengas q decir
un cerebro muy común, muy difícil de parar
y si hoy estamos bien, para qué hacerme hablar
sé que lo voy, seguro que lo voy a arruinar
dejémoslo así, para qué hacerme hablar?

Flor Linyera, Hacerme hablar



La compañía Pablito No Clavó Nada arriesga en el escenario propuestas llenas de estímulos sensoriales amalgamados bajo una gran dirección y trabajo colectivo. ­­­­­­­­­­­­­­­ Esta apuesta ya quedó demostrada en Le Corviné, obra que actualmente está en cartelera, en Hasta Trilce, reestrenada luego de obtener una mención especial en el XII Festival Internacional Gombrowicz de Polonia, en 2016.

Pornografía sentimental cumple también con esta premisa. Se trata de una obra llena de sensualidad  teatral, cautivante y articulada, en la que a través de la sinergia escénica se indaga y deconstruye algunos aspectos del inasible y polimorfo amor. 

Compuesta por un montaje de actos/escenas en las que se tensionan fragmentos simultáneos, continuables, intercambiables y a la vez discontinuos, interrumpidos y variables, Pornografía sentimental es una  deconstrucción de las relaciones y un “exhibicionismo” de las distancias y cercanías entre nosotrxs, sujetos deseantes. A nivel físico, de los cuerpos; y verbal, de la palabras y su performatividad.

Por eso la forma de la obra es la de un círculo, con fuerzas centrífugas y centrípetas. La disposición del espacio responde a esta necesidad,  volvemos siempre sobre lo mismo, pero distintos cada vez. Los actores (actantes) definen en su movimiento vectores de fuerza que confluyen hacia un centro (lo común) y fugan hacía afuera (lo diverso) hacía lo múltiple, aquello se nos escapa y no podemos asir. Son roles, cumplen funciones, depende del lugar que ocupen, de sus coordenadas siempre variables, atacan, se defienden, aman, hieren, abandonan, buscan, se encuentran y desencuentran.

El ojo puede de esta manera posarse en distintos focos,  puede elegir  dónde situarse, puede generar su propio recorrido, dejarse llevar por la articulación continúa entre los diálogos que se encadenan o disfrutar de las escenas en paralelo y las interrupciones. Hay mucho para ver. La iluminación nos guía en este juego, a veces plena, a veces focal, neutra o policroma. El vestuario y la escenografía hacen lo suyo también, entre lo kitsch, la lencería erótica y la lógica del estudio televisivo o del set de filmación.  Resuena algo de la vida espectacularizada, exhibida ante los otros. A  su vez se abisma la representación al  hacer visible ciertos dispositivos escénicos, con las entradas, salidas, participaciones e intervenciones de los asistentes técnicos.

Por eso Pornografía sentimental se trata de una deconstrucción del amor, visto como proceso, como transformación continua. Así como la obra misma, con su propio ritmo y mutabilidad, es una invitación a preguntarse cómo habitamos este sentimiento que nos sitúa frente a los otros, nos devora y nos atraviesa constantemente.

Función:
Miércoles - 21:00 - 21/03/2018
Laboratorio Marte. Arévalo 1473, CABA, Buenos Aires, Argentina
Entrada: $ 200,00
Para más información sobre próximas funciones: https://www.facebook.com/pablitonoclavonada/

Ficha Artístico-técnica:
Autoría: Braian Alonso, Juan Pablo Ruiz
Dramaturgia: Juan Pablo Ruiz
Actúan: Rocío Caldés, Julián Cardoso, Lucía Corral, Concepcion Covello, Germán Rodriguez Estraviz, Andrés Gavaldá
Diseño de luces: Estefanía Piotrkowski
Diseño de maquillaje: Ariadna Romero
Diseño  y realización de vestuario: Tamarindo Vestuario
Diseño de escenografía: Adriana Baldani
Realización de escenografia: Andrés Gavaldá
Fotografía: Sergio Bosco, Nicolás Gutiérrez, Sol Janik
Diseño gráfico: Josefina Tarquini
Asesoramiento en sonido: Martín Scalise
Asistencia De Maquillaje: Juan Pablo Ruiz
Producción ejecutiva: Marcela Andrés
Asistente de producción: Verónica Zacayan
Composición: Rocío Caldés, Julián Cardoso, Romina Trigo
Asistencia de dirección:Nicole Helman
Dirección: Brian Alonso

viernes, 23 de febrero de 2018


Una mujer deseante muere. Sobre Todo tendría sentido si no existiera la muerte de Mariano Tenconi Blanco.
Por Valeria Arévalos

Todo tendría sentido si no existiera la muerte… o quizás nada lo tendría. La cercanía del final como motor generador de vida. El saberse a pasos de la muerte activará el deseo de llenar la vida de experiencias nuevas, de cumplir con aquellos gustos prohibidos, de dejar de lado las excusas y animarse a gozar. María (Lorena impecable Vega) es una maestra de pueblo (o ¡ciudad!) que se entera de que le quedan pocos meses de vida. Tras pensar en cómo quedará su vida sin ella (su hermana, su hija adolescente…) y aceptar lo inevitable decide llevar adelante un sueño hasta el momento, silenciado: filmar una película porno.



La película funcionará como distractor, mientras se filme no habrá dolores ni sueros ni desmayos. Su concreción significará el fin. Claudio Monteverdi, compositor italiano nacido en el 1567, el mismo día que estrena la primera ópera de la historia, de su autoría, Orfeo, favola in música, pierde a su esposa, Claudia de Cataneis, tras una larga enfermedad. Esta anécdota, retomada por Alejandro Tantanian en El Orfeo, le dará a la obra una entidad de bálsamo vital. Mientras esto suceda (la obra, la porno) no irrumpirá la muerte. A diferencia de Monteverdi, María se gestionará su propio preámbulo, transitará la enfermedad, el goce y la espera. De ella, para con ella misma. Mujer que desea y muere, sin necesidad de terceros que le cumplan últimas peticiones.


En más de un sentido la obra de Tenconi Blanco ofrecerá una mirada feminista a la obra. Cada mujer será dueña de su historia, sin caer en falsos perfeccionismos, aceptando las falencias del ser. Asimismo, el tema del aborto será tocado, sin ánimos dogmáticos ni aleccionadores. Cargado de una cotidianeidad y sentido de la realidad absolutamente oxigenantes. Gracias.
La temática de la muerte tendrá un lugar importante en el teatro del último tiempo. Ejemplos como Constanza muere (Ariel Farace, 2015) o Adonde van los muertos (Grupo Krapp, 2011) darán cuenta de lo inabarcable del tema, de cómo todo es preparación o duelo, pero nunca la muerte en estado puro y presente. Cuando esta llegue, será en forma inesperada, como un silencio en medio de una frase. Como una charla que pudo ser, pero que no fue. “¿Sabés qué…?”
Sin dudas uno de los desafíos para el espectador será embarcarse en una obra larga (duración más menos 3 horas) sin caer en las ansiedades de la vida posmoderna. Tres horas sin celular, sin noticias del afuera, sin chequear redes, sin comer, sin beber. Tres horas de pura teatralidad. Podríamos pensarlo como una extracción de un día normal hacia un momento de ficción. Ingresaremos como fantasmas a la intimidad de una familia y esperaremos el final junto a ellos. Reiremos, sabiendo que en algún momento no podremos evitar llorar. Afortunadamente, el gran trabajo actoral se encargará de borrar el afuera y de darle vida a un texto, de por sí, encantador.
Gran trabajo de Mariano Tenconi Blanco que, eleva su dramaturgia potenciándola con una puesta en escena y dirección de actores ideal. Cada intérprete abrazará a su personaje hasta hacerlo único, personal y propio.

La mirada y el deseo. El exceso y su falta. El sexo y el amor. La vida misma.

Ficha técnico artística
Clasificaciones: Teatro
CENTRO CULTURAL RECTOR RICARDO ROJAS UNIVERSIDAD DE BUENOS AIRES
Av. Corrientes 2038 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4954-5521 / 4954-5523
Web: http://www.rojas.uba.ar
Entrada: $ 130,00 - Jueves y Viernes - 20:00 hs - Del 15/02/2018 al 16/02/2018 y Del 22/02/2018 al 17/03/2018
Entrada: $ 130,00 - Sábado - 20:00 hs - Del 22/02/2018 al 17/03/2018

CENTRO CULTURAL GENERAL SAN MARTIN
Sarmiento 1551 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4373-8367 Fax 4374–1251/59 int. 273/278
Web: http://www.centroculturalsanmartin.com/
Entradas desde: $ 130,00 - Viernes - 20:00 hs - 23/03/2018 y Del 31/03/2018 al 29/04/2018
Entradas desde: $ 130,00 - Domingo - 20:00 hs - 25/03/2018 y Del 31/03/2018 al 29/04/2018
Entradas desde: $ 130,00 - Sábado - 20:00 hs - Del 31/03/2018 al 29/04/2018 




jueves, 8 de febrero de 2018

El tiempo y su circularidad. Sobre “Dulce pájaro de juventud”

El tiempo y su circularidad
Sobre “Dulce pájaro de juventud”


Por Jaqueline Ramírez


El imponente Centro Cultural 25 de Mayo (Triunvirato 4444) arrancó la temporada teatral con Dulce pájaro de juventud. Se trata de una obra de teatro escrito por el dramaturgo Tennessee Williams, y está dirigida por Oscar Barney Finn.

La pieza cuenta una historia que se desarrolla en el sur de los Estados Unidos, concretamente en Mississippi. El eje central es transmitir el fracaso y la pérdida del tiempo que implica la decadencia de las juventudes. A partir de eso, se vislumbra un trasfondo político y social pesado, que dicho sea de paso, no está lejos a lo que se vive por estos días.

La escenografía es difícil de resolver en este enorme escenario, por eso se optó en dividir los espacios: un espacio social contrapuesto a un espacio íntimo. En el espacio social los conflictos de todos los personajes salen a la luz, y en el espacio íntimo reina la soledad y decadencia. En este último yace Alexandra del Lago (fantástica interpretación de Beatriz Spelzini) en una cama rodeada de comodidades. La mujer es atormentada porque sabe que “dejó de ser joven”, pues, sus años de gloria han pasado y busca refugiarse en un hombre joven y apuesto al que le impone retos con la finalidad de conseguir sus objetivos nutriéndose de su juventud.

El hombre que la acompaña en su locura es Chance Wayne (a quién Sergio Surraco da vida con soltura a un antihéroe). Ellos están hundidos en una relación de necesidades, el uno necesita del otro para conseguir un poco de cordura en sus aburridas vidas, repletas de recuerdos y proyectos inconclusos que han sido manipulados por terceros. La mujer quiere recuperar su estrellato, el lugar al que pertenecía en la juventud, y Chance solo tiene en su cabeza al amor de Heavenly (sutil y emocionante interpretación de Malena Figo); como sinónimo en común tienen todo el entorno en contra. Sus deseos se mezclan con los egos personales que los conducirán al fracaso, aunque una llamada dará un poco de esperanza a la actriz.

A medida que avanza la obra, el espectador conocerá el oscuro pasado que envuelve a todos los personajes. El elenco repleto de hombres dan cuenta el poder del patriarcado, en ese entorno las mujeres son: víctimas, manipuladas, despreciadas. Asimismo, es importante mencionar que en la globalidad de la puesta son las actuaciones que presentan un excelente trabajo interpretativo, destacándose de principio a fin.

En líneas generales la escenografía y el vestuario son concretos y embellecen a la puesta, pero la música en vivo y el sonido ambiental está a un nivel superior que en algunas escenas importantes impide escuchar correctamente los parlamentos.

Entonces, la razón de esta puesta es el paso del tiempo que pasa y no vuelve pero deja marcas tanto en la cabeza como corporales que definen a las personas para el resto de sus vidas. Así, los protagonistas son el reflejo de eso, por más que luchen para cambiar sus destinos no podrán borrar lo vivido.

Ficha técnica
Elenco: Beatriz Spelzini, Sergio Surraco, Carlos Kaspar, Malena Figo, Victorio D'Alessandro, Pablo Mariuzzi, Maby Salerno, Pablo Flores Maini, Gastón Ares, Sebastian Dartayette / Pianista: Pablo Viotti / Música Original: Axel Kryeger / Letra canción original: Gonzalo Demaría / Diseño de escenografía: Daniel Feijoo / Diseño de vestuario: Mini Zuccheri / Colaboración en vestuario: Paula Molina / Diseño de iluminación: Claudio Del Bianco / Asistencia de iluminación: Facundo David / Diseño de peinados: Ricardo Fasán / Diseño de maquillaje: Elisa D'Agustini / Fotografía: Mili Morsella / Prensa: Walter Duche – Alejandro Zarate / Producción ejecutiva: Sol Vannelli, Verónica Dragui / Asistencia de dirección: Mauro J. Pérez / Lucía Cicchitti / Dirección y puesta en escena: Oscar Barney Finn.

Espacio
Centro Cultural 25 de mayo (Av. Triunvirato 4444, CABA) / Funciones: jueves a domingo 20:30hs.


lunes, 5 de febrero de 2018

En el vaivén del trabajo colectivo. Sobre “El río trae…” de La loca, Equipo de Investigación Artística

En el vaivén del trabajo colectivo

Sobre “El río trae…” de La loca, Equipo de Investigación Artística

Por Vivi Montes

Como resultado de un ejercicio colectivo surge El río trae… definido por sus creadores como un collage ideológico espiritual. Y efectivamente, el resultado es un collage, un collage de deseos, de saberes, de talentos, de temas, de historias y de calidades poéticas. El río trae… es un collage de personajes muy variados que se amalgaman sin problemas como un montaje de la memoria del mundo escrita sobre las efímeras aguas de un río que las fija en su lecho y las lleva a otras orillas. Una mujer, un varón, los amigos reunidos alrededor de la mesa de un bar, el amor, el desamor, una flor, los huesos, el universo mismo y la posibilidad de hacerlo todo de nuevo, de renacer.

Y desde la platea se disfruta en un vaivén visual y musical, en una puesta que invita a sacudirse los miedos, los prejuicios y dejarse llevar por las aguas sanadoras del teatro entendido como hecho colectivo, como espacio de libertad creativa y como un cruce de tiempos que interpela nuestras creencias. Un encuentro con sonoridades que resuenan en nuestra identidad latinoamericana y un río que nos constituye, que lleva –si sabemos ofrendar-; que es, también, signo y síntoma de nuestra noche más oscura y que resurge, en esta ocasión, como maravillosa fuente de inspiración para una puesta que recorre aguas vastas y profundas sin perder ni un ápice frescura.

Ficha artístico técnica:
Pensamiento Textual: Vita Escardó
Criterio Emocional: Victoria Egea
Intuición Musical: Sergio Sainz
Percepción Estética: Gabriel Diaz
Vestuario: Stella Rocha
Fotografía y Video: Ignacio Guglielmi
Producción Ejecutiva: Iris Intilangelo
Prensa & Comunicación: Simkin  & Franco

Funciones: sábados a las 22.30hs
Teatro: No Avestruz Espacio de Cultura
Dirección: Humboldt 1857


lunes, 29 de enero de 2018

En ese cruce de la historia, las historias. Sobre “La sagradita”

En ese cruce de la historia, las historias

Sobre “La sagradita”

Por Vivi Montes

            La sagradita, con autoría de Selva Palomino y dirección de Gilda Bona, es, por muchos motivos, de esas obras que dejan rastro; que abren senderos a reflexiones diversas, a discusiones. Obras que no se clausuran ni en el texto, ni en la puesta, sino que son capaces de dispersar el sentido en muchas direcciones. Esa es parte de su riqueza.

            En escena varias historias que se encuentran, se desencuentran, se funden. Mujeres en un mundo de hombres. Son los hombres los que deciden, los que hacen, los portadores de autoridad. Pero, qué sucede cuando esos hombres faltan. La falta es tanto física como simbólica. Qué sucede cuando mueren o cuando no son lo suficientemente hombres como para respetar a la compañera. Y entre las historias familiares, el arte. El circo y el teatro que es cosa de hombres y mujeres, de fantasía y realidad, de mundos creados tan parecidos a los reales que son capaces de cambiarlo todo. Y, como si fuera poco, Eva, Evita, La Eva, La Sagradita, la de los mil nombres, la innombrable. Eva como contrapartida, madre, hija, deseada, amada, sagrada, inmortal.

La puesta atrapa y suspende el tiempo. Las actuaciones son un deleite, todas y cada una de ellas. En cada detalle cuidado y en el fino trazo de la construcción del personaje sutil y completo, vibra La sagradita. La versatilidad de la escenografía, la iluminación y vestuario terminan de completar la riqueza de la obra.


Ficha artístico técnica:

Autoría: Selva Palomino
Actúan: Raquel Albéniz, Emiliano Díaz, María Forni, Germán Rodríguez, Fernando Sansiveri
Diseño de vestuario: Jennifer Sankovic
Diseño de escenografía: Alejandro Richichi
Realización de escenografía: Alejandro Richichi / Amín Pires Frade
Diseño de luces: Lucas Orchessi
Diseño sonoro y música original: Rolando Vismara
Producción musical: Miguel Brignole
Fotografía: Ana Devanna / José Miguel Carrasco
Diseño gráfico: María Forni
Diseño de maquillaje: Florencia Petroselli
Prensa: TEHAGOLAPRENSA
Producción general: Aurora producciones
Asistencia de producción: Florencia San Martín
Asistencia de dirección: María Chica Serrano
Producción ejecutiva: Anabella Moreno
Dirección: Gilda Bona

El Camarín de la Musas: Mario Bravo 960, CABA.
Tel: 4862-0655
Funciones: jueves 21hs


lunes, 22 de enero de 2018

Memoria y homenaje. Sobre “Cemento – El documental” de Lisandro Carcavallo

Memoria y homenaje
Sobre “Cemento – El documental” de Lisandro Carcavallo     

Por Vivi Montes

 Afortunadamente sigue en pantalla (actualmente en Espacio INCAA Gaumont) la ópera prima de Lisandro. Carcavallo. Con la leyenda “el germen de la democracia”, Cemento - el documental es el retrato de la reapertura democrática, es la expresión de la efervescencia de lo reprimido estallando en la superficie cultural, con el fantasma represivo merodeando, pero fundamentalmente, es la puesta en pantalla de un gran espacio de confluencia de distintos, de apertura al (re)encuentro, sin más, el retrato de la libertad.

Además, Cemento… es la historia de un lugar único y mítico de nuestra historia cultural, performance, rock, punk, metal, teatro y tantas otras expresiones latieron en su interior. Es la historia de un sueño que fue deviniendo templo y alcanzó el estatus de cumplido (que no es poco). Es la diferenciación entre el artista y el empresario, como dice alguna de las muchas voces que encuentran resonancia durante el filme, Chabán era un artista con un espacio de expresión propio que compartía. Es la historia de los públicos jóvenes que durante casi 20 años transitaron ininterrumpidamente por allí, es una historia del devenir de nuestra música (en un amplio espectro) y es la historia de la varias tecnologías de registro audiovisual; desde la obra inicial de ese gigante que transpiraba sus paredes en comunión con su gente hasta los últimos tiempos, diferentes calidades de imagen permiten que la magia del archivo que es lo que se ve y cómo se lo ve tengan su propio espacio de expresión.

 Cemento… es también el resultado de un trabajo de investigación y recopilación de testimonios inmenso, valiosísimo. Un material fundamental para rescatar del olvido una parte de nuestra historia que se quiso relegar. Cemento, el lugar donde vibraron algunas de las más grandes historias de nuestra cultura fue convertido en un estacionamiento, reflejo del valor que algunos pretenden asignar a la memoria. Por eso, el gran documental de Lisandro Carcavallo es memoria y homenaje justo. Condensa décadas de historia, emoción, arte, pasión y levanta una voz que es preciso no se apague.



Ficha artístico técnica:

Lisandro Carcavallo: Director y Productor
Franco Medina: Asistente de Producción y Guion
Marisol Liuzzi: Asistente de Producción
Meche Magariños: Asistente de Producción
Florencia Carcavallo: Cámara
Leandro Chirico: Cámara y DF
Mariano Mazzitelli: Sonido directo
Leandro Sanchez: Edición
Julia Pedulla: Diseño de imagen
Javier Massola: Post de sonido
Aldana Aguirre: Música incidental
Alejandro Taranto: Productor musical