miércoles, 15 de noviembre de 2017

Quinta Muestra de Cine Mexicano Independiente

Por Mariana Jaqueline Ramirez 
El cine independiente ocupa un lugar marginal dentro de los grandes circuitos de difusión, manteniendo de ese modo un perfil underground. Pero desde hace años este cine -en líneas generales- encontró un grupo de espectadores curiosos por géneros y estilos particulares procedentes de diferentes nacionalidades. Un espacio importante en la Ciudad de México es el Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM) que se realiza desde el 2011, el mismo exhibe cine independiente local e internacional de jóvenes cineastas orientados al cine autoral.


De esta manera, el equipo de Visionado Cine está invitando al Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543, CABA) al ciclo de Cine Mexicano Independiente. Este equipo se formó en la casa de la Cultura de Merlo coordinado por Adriana Casas, A. Federico Picasso, Mariana S. López y Leandro González León con el fin de ver y debatir películas, modalidad que implementan en la actualidad.
El ciclo se presenta todos los jueves a las 21hs en la sala Raúl González Tuñón a un costo accesible, las películas que proyectaran son: Yo soy la felicidad de este mundo (2014), Terreno de juego (2015), Pacífico (2016), Batallas íntimas (2016), Epitafio (2015).

El recorrido por estas películas nos permite a conocer otra faceta del cine mexicano poco exhibido en nuestro país. Hay mucho y para todos los gustos, desde la ficción al documental, presentando personajes sufrientes provocados por las relaciones del mundo que los rodea, pero también, recuperan un costado que testimonia algunas costumbres e hitos históricos de la cultura mexica. Así mismo, interpelan una realidad social que a los argentinos no nos es ajena. Así pues, se puede afrontar esta experiencia audiovisual para ampliar nuestro panorama sobre uno de los cines con más producción dentro del territorio latinoamericano que, lamentablemente, están alejados de los programas de difusión habituales.


Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543, CABA) / Sala: Raúl González Tuñón / Jueves: 21hs / Entradas: $50.

Programa:
2/11: Yo soy la felicidad de este mundo (2014), de Julián Hernández.
9/11: Terreno de juego (2015), de Miriam Padilla.
16/11: Pacifico (2016), de Fernanda Romandia.
23/11: Batallas íntimas (2016), de Lucía Gaja.

30/11: Epitafio (2015), de Rubén Imaz y Yulene Olaizola.

jueves, 2 de noviembre de 2017

La cocina del show
Por Valeria Arévalos

Un despacho cerrado en donde el tiempo cobra particular materialidad. El armado de un discurso verosímil que permita al pueblo continuar con su tranquila vida, sostenida por engaños. Construir a un Otro que encarne el peligro, al cual poder señalar y culpar. Alguien que haga que los vecinos de Plaza Huincul puedan seguir mirándose a los ojos.


Afuera piedras es la segunda obra escrita y dirigida por Laura Loredo Rubio.  En ella se nos presentará un conflicto principal: el brutal asesinato de una conocida familia del lugar. Pero este suceso funcionará como disparador de un dilema aún mayor: la inexistente búsqueda de la verdad. La actualidad de nuestro país abraza la trama y la carga de significados, generando un clima de reflexión y evocación. La realidad armada como un rompecabezas, en donde ninguna pieza encaja asique se recortan, se pintan y se vuelven a ubicar.  


Loredo Rubio homenajeará, desde el texto, la literatura periodística de Capote, la filosofía de Primo Levi sobre el rol del testigo, el tiempo-otro de David Lynch en una escena en donde todo parece detenerse, entre otros tantos guiños al espectador.


El principal acierto de la puesta es el manejo del tiempo y el espacio. El afuera presionando en busca de justicia. Un tic tac marcado por piedras. Adentro, otro tiempo, manipulado, viciado, sucio. El eterno retorno de un discurso que sólo encubre mentiras y complicidad.

Ficha técnico artística
Clasificaciones: Teatro, Adultos
TEATRO ANFITRION
Venezuela 3340 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4931-2124
Web: http://www.anfitrionteatro.com.ar
Domingo - 21:00 hs - Hasta el 26/11/2017 


jueves, 19 de octubre de 2017

Una Antígona didáctica

Por Mariana Jaqueline Ramirez


En el marco del Festival de Teatro Clásico Universal IIIº Edición se presentó Antígona de Sófocles una versión de Luis Agustoni. El evento tiene lugar en el Teatro El Tinglado (Mario Bravo 948, CABA), el objetivo principal de los organizadores es acercar a los grandes autores como: Shakespeare, Moliere, Cervantes, entre otros a todo público pero principalmente a los jóvenes que están cursando el colegio secundario.




Antígona, es un texto dramática que Sófocles escribió en 441 a. C. y que en la actualidad tiene múltiples versiones escénicas en el campo teatral porteño.
Aquí se presentan dos fuerzas que movilizan toda la acción; es la implantación de dos leyes que están en puja constante. En el caso de Antígona (heroína en esta tragedia) lucha por el entierro de su hermano, por más que eso le cueste su propia vida. La pieza en cuestión es adaptada a los conflictos bélicos actuales, haciendo esa salvedad, en líneas generales respeta casi en su totalidad el texto original.


En la apertura se destacan tres actrices, ellas serán coro, y a su vez, interpretan diversos personajes que se desenvuelven sutilmente a lo largo de la acción para ir explicando algunos detalles relevantes. Con este prólogo dan comienzo al espectáculo, se ubican temporalmente y dan cuenta con breves palabras lo que va a acontecer.
El epílogo, se realiza con las mismas actrices del comienzo que harán un cierre para calmar el clima turbulento en el que quedó el palacio de Tebas. En ese instante, vemos como Creonte el tirano a cargo del poder cambia sustancialmente, pero ya no hay vuelta atrás, es tarde para modificar el presente.
Todo se desarrolla sobre una plataforma donde solo se posara Creonte, a su alrededor hay unos bancos que sirven para dar vida a cada secuencia dando como resultado a una puesta dinámica por sus constante cambios reflejados en la utilería y el vestuario. Por su parte las actuaciones siguen el ritmo de la puesta, algunos actores se destacan más que otros, hecho que es reflejado en la elocución, pues, algo propio de un este tipo de obras es que demandó una buena expresión dramática producida por sus largo parlamentos.
Para finalizar, es importante destacar el valor universal de la obra que dejó Sófocles, y remarcar que el tema central de Antígona está en nuestro país muy presente pese a que el tiempo pase hay ciertos hechos que siguen reviviendo constantemente.


Ficha técnico:
Actúan: Christian Bellomo, Pablo Contartese, Ivana Cur, Constanza Fossatti, Yamila Mayo, Santiago Rapela, Fernando Ricco, Teresa Solana / Vestuario: Nadia Casaux / Escenografía: Nadia Casaux / Iluminación: Diego Gómez Leite / Sonido: Diego Gómez Leite / Diseño: Santiago Rapela / Fotografía: Josué Romero Sineiro / Asistente de producción: Ana Caterina Cora / Asistencia de dirección: Santiago Rapela / Dirección: Luis Agustoni
Este espectáculo forma parte del evento: Festival de Teatro Clásico Universal III Edición.


martes, 17 de octubre de 2017

Detalles necesarios. Sobre “El mar de noche” de Santiago Loza

Detalles necesarios
Sobre “El mar de noche” de Santiago Loza

Por Vivi Montes

            Un hombre solo, arrojado al desamor, en una espera interminable, un náufrago aferrado a su último hilo de aliento, incompleto como su vestuario falto de pantalones. En escena eso, un hombre que por oposición al decir popular no tiene los pantalones bien puestos, ni siquiera los tiene puestos. Una obra descriptiva, que es grito y susurro, un decir en esa media lengua característica del amor que ha devenido dolor ¿descarnado? No, dolor encarnado. Encarnado en un cuerpo que se deteriora de amar y no encontrar más que soledad. Un flotar inerte en un mar calmo que apenas nos mueve, como el amor que se ha ido y no deja más que una espera inerte e infructuosa de aquel que sabemos que no vuelve más.

            El equipo de trabajo encabezado por Santiago Loza (dramaturgia), Guillermo Cacace (dirección) y Luis Machín (actuación) funciona maravillosamente, engarzando las tareas como diminutas piezas de un mecanismo complejo que resulta en una puesta que apuesta a lo difícil, producto artístico laborioso, despojado de toda tentativa de espectáculo, que desafía al espectador incorporándolo en la intimidad agónica del protagonista. Un trabajo lleno de detalles a nivel textual, en la puesta, en la actuación merecidamente premiada de Machín y el plus del reencuentro, emocionante con los ecos de textos amados, de lecturas que nos han marcado, de autores como Mann y Wilde que supieron desgarrarnos en otros tiempos como hoy lo hace, satisfactoriamente El mar de noche.


Ficha artístico técnica:
Diseño de vestuario: Magda Banach
Diseño de iluminación: David Seldes
Asistente de iluminación: Estefanía Piotrkowski
Diseño sonoro: Patricia Casares
Diseño gráfico: Leandro Ibarra
Fotografía: Alejandra López
Prensa: Duche&Zárate
Asistencia de dirección: Gastón Re
Producción comercial: Marcelo Riva
Dirección de producción: Romina Chepe

Funciones: Viernes a las 23 hs. y domingos a las 18 hs.
Apacheta Sala Estudio - Pasco 623 – CABA / 4943-7900
https://www.facebook.com/elmardenoche/


martes, 3 de octubre de 2017

Ecos de la tierra Sobre “Yacaré”

Ecos de la tierra


Sobre “Yacaré”

Por Vivi Montes


                Al llegar a El gato viejo, la sala teatral que funciona en el Predio Carlos Regazzoni, el ambiente comienza a envolver al espectador y el ingreso al espacio de la representación termina de completar el círculo que permite el acceso a un espacio-tiempo mítico que la obra termina por instaurar. La puesta es circular, por lo que el público rodea a la intérprete que con un gran trabajo corporal y vocal nos transporta al corazón de la tierra. Que el ambiente huela a tierra ayuda a que todos quedemos inmersos en ese poema físico, sonoro y terroso que es Yacaré.

                Una mano y un silbido alcanzan para que el pájaro se haga presente, un canto para evocar el origen, iluminación y sonido incorporan dramatismo y una mujer basta para hacer carne la devastación. Yacaré es una puesta íntima, que con un muy buen manejo del espacio incorpora al espectador en el latir de la obra y nos reúne conmovedoramente con ese componente de la vida que tristemente olvidamos y arrasamos, la tierra, de donde venimos y hacia donde vamos.

Ficha artístico-técnica:
Intérprete: Gisela Rebichini
Arte: Valeria Dalmon
Movimiento: Mariela Nussembaum
Producción: Analía Bustamante
Dirección: Miguel Ángel Madrid

Sábados 17:30 hs

En
EL GATO VIEJO - Predio Carlos Regazzoni


lunes, 2 de octubre de 2017

Libertad, mujer, significado. Sobre “El diccionario de María Moliner”

Libertad, mujer, significado
Sobre “El diccionario de María Moliner”

Por Vivi Montes


            España durante el franquismo, una familia republicana intenta sobrevivir. Una mujer, María Moliner, zurce calcetines y desafía al sistema en múltiples sentidos. Es profesional… no es normal dirá el médico. Es muy normal responderá ella, poco común pero normal. Es libre y se propone una tarea impensable, inmensa, inabarcable; escribir un diccionario de uso de la lengua española. Ese diccionario se convierte además en una trinchera y en una carrera contra el tiempo, la arteriosclerosis avanza y la memoria retrocede. Así se teje el mundo de la protagonista de la puesta de Barney Finn sobre texto de Manuel Calzada Pérez.

            Más allá de la historia central que sustenta la trama de la obra, El diccionario tiene a nivel textual una riqueza excepcional. Se entrecruzan la Historia española, la historia de vida de María, de Fernando (su marido) y del reconocido neurólogo que la tratará. Todos los personajes se van transformando en el transcurso de la obra, de modos tan sutiles y progresivos que el espectador no puede más que acompañarlos y conmoverse con ellos. Otros significantes reverberan y la puesta les otorga un lugar excelso, cuestiones de género de una actualidad incuestionable, debates políticos que nunca debemos dar por terminados y la disputa por el saber, que no es otra que la disputa por el  poder. El dilema de la Memoria, el paso del tiempo, la familia, la medicina como institución y tanto más. Pasado y presente se conjugan con tal precisión que la narración permite incluir muchos datos del pasado en un fluir sencillo, afortunado. Entre las entradas de su diccionario María nos va compartiendo los sentidos relevantes de la obra, entre dictador y hombre libre, por ejemplo, una diferencia tan diminuta como sustancial: la responsabilidad por las propias acciones. Así se conforma un diccionario orgánico, de uso, otorgando a los vocablos el significado que tienen en acto.

            La puesta no se queda, en absoluto, por detrás del texto y el diseño del espacio funciona a la par del juego temporal. Los espacios se interconectan, coexisten, hermanados en el pulcro blanco aséptico manchado con el perspicaz detalle del saco rojo de María. Y llenándolo todo, dándole cuerpo al texto, habitando el mundo de la puesta, las comprometidas actuaciones de Marta Lubos, Roberto Mosca y Daniel Miglioranza.

            Por todo esto, El diccionario de María Moliner es una gran oportunidad para conocer la historia de una de esas mujeres que las historias canónicas orillan, marginan, olvidan; también para repensarnos en la vida y aún con los ojos nublados por la emoción reconocernos en quien con orgullo puede decir: ¡Soy libre!
           

Ficha artístico Técnica:

Director: Oscar Barney Finn 
Autor: Manuel Calzada Perez 
Actúan: Marta Lubos, Daniel Miglioranza y Roberto Mosca. 
Iluminación: Leandra Rodríguez 
Asistencia en iluminación: Tomás  Perri
Diseño gráfico: Leandro Correa 
Prensa: Duche & Zárate
Producción general: Alberto Teper 
Producción ejecutiva: Verónica Dragui 
Colaboración en Producción Ejecutiva: Flavia Vitale
Vestuario: Isabel Zuccheri 
Asesoramiento en peinados: Ricardo Fasan
Diseño del espacio: Barney Finn 
Asistencia de dirección: Florencia Laval 
Dirección: Oscar Barney Finn 
Fotografía y video: Sofía Gatti 
Voz en off: Osmar Nuñez 
Diseño y realización escenográfica: Eduardo Spíndola 

Funciones:

Viernes 20hs. – Domingos 18hs.
El Tinglado Teatro
Mario Bravo 948


martes, 26 de septiembre de 2017

¿No hay nada más lindo que la familia unida? Sobre “Sólo llamé para decirte que te amo” de Nelson Valente

¿No hay nada más lindo que la familia unida?
Sobre “Sólo llamé para decirte que te amo”
de Nelson Valente

Por Vivi Montes

            Patricia es el núcleo sobre el que gravitan el resto de los personajes, su familia. Su madre, su hermana, sus hijos mellizos y la novia de uno de ellos conviven en la casa que está siempre igual, desde tiempos inmemoriales; los mismos muebles, las mismas dinámicas. Nadie tiene nada para aportar a la vida de Patricia más que opiniones, nada más para señalar que sus fallas. Nadie colabora, todos demandan. En un registro en el que los discursos familiares resuenan y hacen eco al interior de cada espectador, la identificación sucede, entre risas y compasión. La disposición del espacio escénico propicia la intimidad y la simplicidad de lo cotidiano juega con la grandeza del trabajo bien hecho. Buen texto, buenas actuaciones y una puesta que aloja al espectador muy cerca de los protagonistas, en el medio del sentido de la pieza.

            No en vano, esta obra fue creada por Nelson Valente en el marco del programa “El 25 va a tu casa” organizado por el Centro Cultural 25 de Mayo, un ciclo que proponía que las funciones sucedieran en las casas de los vecinos que abrían sus puertas y prestaban su comedor al hecho teatral. A partir de allí, y aún hoy en una sala teatral Sólo llamé para decirte que te amo produce el sentimiento de la acción que replica en muchas cotidianeidades, en muchas casas, con muchas Patricias que mantienen unida y funcionando su familia, a pesar de todo. Sin embargo, un simple llamado, el pasado que irrumpe sin pedir permiso puede cambiarlo todo.       


Ficha Técnica:
Dramaturgia y dirección: Nelson Valente
Elenco: Mayra Homar, Agustina Sanguinetti, Fernando Rodriguez, Puchi Labaronie,  Ramiro Delgado, Gonzalo Saenz, Julia Eva Saggini.
Asistencia de Dirección: German Lozano
Imagen y Vestuario: Inés Saavedra
Diseño Gráfico: Sebastián Carzino, Gabriel Beck
Fotografía: Laura Castro

Música: Silvina Aspiazu, Ignacio Gómez Bustamante



Funciones: domingos, 15:00 hs.
Lugar: Timbre 4 (Boedo 640)
Duración: 60 min

lunes, 25 de septiembre de 2017

Extraños placeres, dudosos poderes. Sobre “Sonríe”

Extraños placeres, dudosos poderes
Sobre “Sonríe”

Por Vivi Montes

            Entre la cocina y el mostrador de un local de comidas rápidas transcurren las más diversas situaciones entre trabajadores, jefes y clientes; la mayor parte de ellas revela el patetismo constituyente de las relaciones desiguales de poder. Todos se sienten con derecho al maltrato para agenciarse sus dos minutos de poderío. Detrás del velo de la felicidad impoluta circulan las turbias aguas del capitalismo, la oferta de placeres rápidos y el precio (muchas veces demasiado alto) de una sonrisa.

            Sonríe expone los conflictos inherentes al sistema en clave de comedia y divierte. En muchos momentos, la puesta juega al límite, el desfile de estereotipos y sus correspondientes chistes generan pregunta sobre los motivos de las risas del público. Con una estética muy cuidada, buena producción y actuaciones hilarantes, Sonríe juega con lo absurdo para generar reflexión sobre un mundo donde cada quién goza con extraños placeres y se supone dueño de dudosos poderes sobre los otros.

Ficha artístico-técnica:

Dramaturgia: Isaac Velasco.
Actúan (por orden alfabético): Ignacio Castro; Federico Nicolás Lombardía; Tomás Medina Saúl; Micaela Narodowski; Edward Trouiller; Josefa Vergara Carvajal y Carolina Zumarán Jibaja.
Asistente de dirección: Francisco Barceló y Ayrton Ronconi.
Diseño de luces: Javier Vázquez.
Diseño y realización de vestuario: Cecilia Gómez García.
Asistencia vocal: Valentina de Prado.
Diseño de logo y diseño gráfico: Daiana Infante.

Dirección: Tania Ruiz Gambini.


Funciones: 
Viernes 22:30hs
Patio de Actores
Lerma 568

viernes, 22 de septiembre de 2017

Hay cadáveres… y espectáculo. Sobre “Cadáveres show”

Hay cadáveres… y espectáculo
Sobre “Cadáveres show”
Compañía Los Perros de Pavlov
Por Vivi Montes


            En su décimo aniversario la Compañía de Los Perros de Pavlov sube a escena Cadáveres show, un musical performático en el que a partir de una versión libre y corrompida (así lo postula el mismo grupo) del poema Cadáveres de Néstor Perlongher se propone indagar sobre la violencia, machismo, el peligro de ser joven, las pasiones y la industria cultural como basamento del patriarcado que convierte los cuerpos en cadáveres.

            Con gran despliegue de talento sobre el escenario y en los diferentes niveles que componen la puesta, esta propuesta realmente interesante, irreverente, pasional, rebelde e intertextual se desborda, sin embargo, en recursos, en referencias y en intenciones. Las constantes interrupciones de la trama le quitan algo de fuerza a la temática que vertebra la obra y que es de por sí sumamente potente. En esos vaivenes constantes entre lo trágico y el humor se diluye el verdadero sentido de la comedia negra, resulta casi imperdonable el alegre saludo final después de un final de obra trágico y conmovedor.

            Cadáveres show es una obra que juega al límite, que se sitúa en el riesgoso y delgado límite entre evidenciar el show o convertirse en él. De todos modos, siempre es motivo de celebración el talento joven, las nuevas búsquedas, los grupos que arriesgan y  se dan permiso para corromper; así como también el teatro que nos interpela y nos enfrenta de cara con las miserias que nos constituyen como sujetos, como sociedad y de cuyo entramado no pueden brotar más que cadáveres.


Ficha artístico técnica:



Dramaturgia: Ezequiel Bianchi – Elián López
Actúan: Camila Bastida, Lucia Cisneros, Clara Ferrer Diez, Candela González Tonon, Sofía Kali, María Agustina Mirás, Enzo Cejas, Facundo Cohen, Agustín Chenaut, Ignacio Mamonde, Nicanor Ochoa y Juan Ignacio Piasentini
 Músicos: Chino Sircman, Ramón Espinosa y Cesar Javier Romero. /Música original:César Javier Romero / Audiovisuales: Ezequiel Bianchi, Leandro Irión y Elián López.
Diseño gráfico: Francisco Hnilo; Prensa & difusión: Simkin & Franco
Producción Musical: Camila Bastida, Ezequiel Bianchi, Cesar Javier Romero y
Santiago Mirás/ Producción ejecutiva: Camila Bastida, Lucia Cisneros y Clara Ferrer Diez. / Producción general: Los Perros De Pavlov.
Supervisión dramatúrgica: Martin Salazar / Supervisión de Arte: Ariel Del Mastro/Diseño de Luces: Ezequiel Bianchi / Diseño de Sonido: Matías "Naipe" Noguera /Diseño de Multimedia: Ezequiel Bianchi / Producción y Dirección Musical:Ezequiel Bianchi y Cesar Javier Romero / Dirección de actores: Elián López /Asistencia de dirección y Stage Manager: Liliam Zarreth/
Dirección General: Ezequiel Bianchi.

Funciones: miércoles 20 hs
Teatro: Tinglado
Dirección: Mario Bravo 948, CABA