viernes, 23 de junio de 2017

Una voz recuperada. Sobre “Isabel de Guevara. La carta silenciada”

Una voz recuperada
Sobre “Isabel de Guevara. La carta silenciada

Por Vivi Montes

            Una vez más, es el arte quien corre el velo del olvido e interpela a las historias oficiales para ayudar a nuestra memoria desmemoriada a rescatar a quienes quedaron en los márgenes, se cayeron de las crónicas y se acallaron en los libros  de historia. Isabel de Guevara. La carta silenciada enuncia la voz de las mujeres que participaron en la conquista de América. Rescatando la carta que Isabel de Guevara enviara a la reina Juana de España en 1556, la puesta da cuenta de las voces olvidadas. Las testigos del horror, de las fechorías se reúnen aquí en un único relato que las revive.
 
            Son tres mujeres las que, en diferentes roles, se dan hoy a esta tarea. El texto corresponde a Alicia Muñoz, la dirección está a cargo de María Esther Fernández y la actuación es de Mónica Villa. La actriz le imprime plasticidad al extenso monólogo con tal cantidad y calidad de matices que concentra la atención del espectador segundo a segundo sin más instrumento que su propia actuación. Nada más y nada menos. Con inteligencia impregna cada segmento con la energía y con las emociones justas. Así, Isabel de Guevara se hace presente junto a todas las otras damas, protagonistas de la Historia convenientemente silenciadas.
El descuido de algunos detalles desluce la gran labor de la actriz y el prodigioso trabajo de vestuario, sin llegar sin embargo, a opacarlos ya que en ambos casos, merced a sus trucos, cada uno brilla con luz propia.


FICHA TECNICA:

Diseño y realización de vestuario: Pablo Battaglia
Video: Agustín Bruzzese
Fotografía: Dolores Nougués
Diseño de sonido: Juan Elías Ranieri
Asistencia de dirección: Guadalupe Berrino
Dirección: María Esther Fernández
Prensa: Natalia Bocca


Estreno: 29 de mayo de 2017
Funciones: Lunes a las 20:00 hs.
Teatro del Pueblo.  Av. Roque Sáenz Peña 943. Tel: 4326-3606. CABA


miércoles, 21 de junio de 2017

La tragedia doméstica. Sobre “¿Te duele?” de César Brie

La tragedia doméstica
Sobre “¿Te duele?” de César Brie

Por Vivi Montes

    La casa que fue de los abuelos, que luego será la casa de los hijos y que hoy es el hogar, el refugio del matrimonio ilusionado, el nido del amor. La casa es un ring de boxeo, señalando con crudeza los límites que se desdibujan, hasta por completo adentro, desatando el caos. Apenas unas sogas dibujan los muros, pero son los muros más altos, los más gruesos e impenetrables; allí dentro sucede la tragedia violenta que no tiene escapatoria. En ese pequeño cuadrilátero se expande el peligro de construir un hogar, un matrimonio sellado al vacío, sin comunicación con el exterior, en el encierro que asfixia y lastima.

    La puesta combina textos de una implacable eficacia poética con un altísimo nivel de compromiso físico de los actores. Esta mixtura resulta en una armonía inefable, que consigue transmitir con justeza toda la gravedad del caso, en el amplio arco en el que la violencia doméstica se expresa. Hay palabra dónde algo merece ser dicho y hay sólo cuerpos en acción en el preciso instante en el que debemos recordar la implicación de los cuerpos, las leyes de la física, el dolor, la furia, los tantos motivos por los que un hombre no debe nunca, jamás golpear a una mujer.
 
    ¿Te duele? recorre diversos modos de violencia doméstica. Incluso, sin caer en ninguna justificación burda, despliega con sutileza algunos detalles de la constitución social de la violencia, capa sobre capa. La mirada femenina está presente, su voz temerosa y sufriente. También la voz masculina encuentra su espacio de expresión. Esta puesta nos interpela con la necesidad de reconocer que el universo de la violencia no reconoce fronteras geográficas, ni distinción de clases sociales, simplemente sucede, comienza y es difícil de detener. Distintas situaciones, a modo de rounds, van demostrando que se trata de un producto artístico de esos que funcionan como lupa ante la realidad, hasta culminar en una imagen final que no necesita ya de ninguna palabra, pues todo se ha derrumbado.


Ficha artístico técnica
Marido: César Brie / Mujer: Vera Dalla Pasqua / Escenografía: César Brie /Música: Pablo Brie / Texto y Dirección: César Brie. / Fotografía: Paolo Porto /Producción en Buenos Aires: Larisa Rivarola y Banfield Teatro Ensamble /Prensa en Buenos Aires: Simkin & Franco.

Funciones: sábados a las 22hs.
Teatro: Santos 4040
Dirección: Santos Dumont 4040, Chacarita
Informes: 4554-6353 /http://www.santos4040.com.ar/



sábado, 17 de junio de 2017

Honrar al teatro, honrar la vida. Sobre Orfeo y Eurídice de César Brie

Honrar al teatro, honrar la vida
Sobre Orfeo y Eurídice de César Brie

Por Vivi Montes

            Caronte inaugura la pieza. Se trata de un Caronte con color local, un chango que nos introduce en los pormenores de su labor como comandante de la barca que transporta a los muertos al reino al que pertenecerán ya, para toda la eternidad, el Hades. Caronte nos narra, también, aquella única vez en que un vivo accedió a esos territorios infernales, envalentonado con el poder que otorga la desesperación, Orfeo descendió al inframundo con su música para rescatar a su amada Eurídice.

            Así comienza la obra que luego da inmediato paso a la historia de amor entre Liza y Sofía porque, acertadamente, esta versión del mito clásico construye la pareja protagónica a través de dos mujeres que devendrán Orfeo y Eurídice con el transcurrir de los sucesos. César Brie demuestra mediante esta impecable elección que cualquier pareja clásica puede tener ya cualquier composición. Y funciona, maravillosamente. La pareja femenina configura un universo de una dulzura implacable y nutre a la historia de una ternura que no podría contener de ninguna otra manera. Las actrices Sofía Diambra y Liza Taylor componen y actúan sus personajes con compromiso y ductilidad, convirtiendo cada movimiento, cada palabra y cada mirada en poesía viva que se despliega en la escena. El texto y la música, compuesta por Pablo Brie, completan esta deliciosa puesta.

            Orfeo y Eurídice está inspirada en un caso real en el que un padre estuvo diecisiete años tratando de poner fin al infierno en vida de su hija en estado vegetativo irreversible. En esta ocasión la historia que se presenta es la de una pareja que se conoce, se enamora y comienza a transitar un camino de vida, compañerismo y amor. Las fotos, cuadros vivos que la luz agiganta proyectando las sombras de las protagonistas como una presencia espectral, dan cuenta de las vivencias compartidas también de lo perdido. Un accidente instala la tragedia, Sofía ingresa a un limbo lúgubre, atroz, inalterable. Sofía se convierte en Eurídice y Liza en Orfeo, que no claudica en su dolorosa lucha contra un sistema cuya razón de ser fue ya explicada por Michel Foucault al señalar que la vieja forma monárquica de hacer morir y dejar vivir fue reemplazada, ciencia mediante, por el hacer vivir y dejar morir. Fórmula siniestra que cuida sus formas, pero en la que vivir se reduce a un hilo lábil expresado en un latido débil que resulta de múltiples máquinas responsables de sostenerlo en un tiempo indefinido. Años y años de un vida sin vida… conseguir justicia…

            Orfeo y Eurídice instala la cuestión sobre la muerte digna, que no es otra que la cuestión de la vida digna. Despliega la disputa entre el deseo y ciencia. Y erige, en el centro, la nobleza del amor en un trabajo del que verdaderamente podemos decir que lo que hace es honrar al teatro, honrar la vida.


Ficha artístico técnica:
Actúan: Liza Taylor y Sofía Diambra 

Música original: Pablo Brie
Prensa: Simkin & Franco
Texto y dirección: César Brie

Funciones
Viernes 23hs.

Teatro El Extranjero (Valentín Gómez 3378)

lunes, 5 de junio de 2017

Las dos caras de la burocracia. Sobre DNI - ClanDestino Teatro


Las dos caras de la burocracia
Sobre DNI
ClanDestino Teatro

Por Vivi Montes

            ClanDestino Teatro sube a escena DNI, una obra en la que se exponen las dos caras de la burocracia. Un hombre intenta que se corrija un –aparentemente- pequeño error en su documento de identidad, donde dice Pena, debería decir Peña. Así comienza su penoso tránsito de oficina en oficina, un intento vano de recuperar su identidad que se convierte en manoseo y burla. Al otro lado de la trama, un conjunto de empleadas y empleados sumidos en la alienación más profunda develan un sistema cínico y siniestro que se instituye como una telaraña en la que todos quedan atrapados.


            Entre la oscuridad del sistema, el desorden, la mugre y la locura transcurre la historia del trámite siempre inconcluso, de las trabas estrafalarias y de la perversión burocrática. Con dramaturgia, puesta y dirección de David Bogado y las actuaciones de Cynthia Cabrera, Fernando Martino, Eleonora Pandra y Rodrigo Pedro, DNI interroga en clave de humor un mundo turbio que no resulta ajeno a la realidad de muchas oficinas públicas.

Ficha artístico técnica:

Dramaturgia: David Bogado
Intérpretes: Cynthia Cabrera, Fernando Martino, Eleonora Pandra, Rodrigo Pedro
Asistencia de dirección: Josefina Barrera
Puesta y dirección: David Bogado
Diseño gráfico: Flor Nicolini
Producción: ClanDestino Teatro

Funciones : Viernes 21hs
Espacio Gadí
Av. San Juan 3852 (C.A.B.A)


martes, 23 de mayo de 2017

La caricia tóxica. Sobre Letal de Paola Traczuk


La caricia tóxica
Sobre Letal de Paola Traczuk

Por Gabriela Pignataro


¿Que sería de Caligari sin su gabinete, sin las sombras deformes, los ambientes extrañados, la premonición residual que anticipa lo fatal? ¿Cómo reponer a Frankenstein sin su pater noster positivista, cirujano de las fallas que opera la monstruosidad para subyugar su libertad? Que sería de nuestros fantasmas, sin un cuerpo que dispute el origen de su existencia.
En la historia de la biología lo abyecto y lo deforme han sido temas centrales durante siglos, impulsando grandes aparatos correctivos sobre lo material y lo moral. La literatura ha recogido el guante y ha construido en torno a ello íconos perdurables, de muertos y no-muertos/no-vivos más presentes en la memoria que los que acusan el correr tibio de la sangre.
La tensión en la frontera entre la vida y la after-life, también se vuelve un problema político, cuando lo no-vivo y no por ello decididamente muerto, conforma espectralidades densas que prefiguran representaciones que tienen su peso en los imaginarios populares y en los procesos políticos en ebullición o decadencia. Restos de los escombros de la tragedia clásica, sobrevienen cada vez que un pueblo pide el cuerpo de su líder. La imposibilidad de su exposición, en el mismo sentido de la palabra: exponer, descubrir, revelar; desencadena lo fatal. Todos quieren enterrar sus muertos, alguna vez.

En Letal se entraman con sordidez, lo ominoso, lo político y lo deforme, tensados en una relación de dominación dónde es el cuerpo ausente la catálisis de todo aquello.
En una atmósfera de desastre social, la muerte del general en comando provoca agitación en las calles. El pueblo quiere celebrar los cortejos funerarios, la espera tensa de comprobar el deceso a ataúd abierto.
Rocco es un tanatopractor, que ha sido encargado de preparar al difunto para su velorio. Pero el cadáver desaparece, en una atmósfera turbia y confusa. Rocco sabe que no es viable exponer la verdad. El general tiene que aparecer, sea cuál sea, el cuerpo que se le otorgue.Es en esta destitución del soberano, que se provoca un desplazamiento de poder: será Rocco, quien se convierte en un padre creador, para el cuál Irving quien es su joven ayudante carente de lenguaje social, toma el lugar de efebo en el cual se descarga un vínculo libidinal latente. La fórmula del Dr. creacionista y su experimento maquinal en un cuerpo con órganos aún vivos, retorna.
Cabe destacar el trabajo sobre el lenguaje en la obra, y su importancia en la función narrativa: la lengua educada y compleja de Rocco emplazada en cuerpo envejecido y reprimido que lentamente se vuelto un autómata preso de sus propios vicios, frente a un lenguaje corporal, animalizado en la figura joven y estridente de Irving. Hay aquí, una batalla entre lo domado y lo salvaje, y la puja por el control de lo último.
En Letal, el espacio escénico emulsiona y modifica la obra. En esta temporada de funciones, se desarrolla en la sala teatral del El Gato Viejo espacio del artista plástico Carlos Ragazzoni en la zona de Retiro. El propio lugar en su materialidad concreta (residuos, chatarra, óxido, polvo, insectos) y lo ambiental (los ruidos del tren, el silbido de los aviones que ululan sobre Aeroparque), modifican la atmósfera narrativa de la obra. Podemos imaginar que fuera de ese reducto casi clandestino, sucio y mal iluminado dónde Rocco trabaja, que efectivamente se despliega una coyuntura de convulsión y de humo surcando los cielos. La frialdad de los materiales que constituyen la escenografía general, son preexistentes a la obra y la tiñen inveriablemente, de una textura marginal y precaria: Rocco no maquilla sus muertos en la asepsia brillante de un consultorio ni es acaso, un profesional en la cumbre de su carrera.
En temporadas anteriores la obra ha tomado lugar en el sótano de un edificio de oficinas, y es su intención trasaladar la acción a diferentes espacios no convencionales.
Esta decisión conlleva una reflexión de lo metateatral: qué es un espacio teatral, cómo y cuándo este se figura como tal, cuáles son las condiciones para que haya poiesis.
También se sospecha la pregunta sobre el teatro como el gran científico deforme y la obra, su monstruo liberado.
En Letal, las puertas del gabinete están abiertas y se cierran detrás de nuestro paso.


Ficha técnico artística

Texto: Paola Traczuk
Actúan: Mateo De Urquiza, Mauricio Minetti
Vestuario: Lara J. Cendoya Yussem
Escenografía: Lara J. Cendoya Yussem
Diseño de luces: Lucas Coiro
Diseño sonoro: Ignacio Sanchez
Comunicación:Javier García, Euge Tobal
Asistencia de escenografía:Gisela Ranieri
Asistencia de vestuario:Gisela Ranieri
Asistencia de dirección: Noelia Solmi
Producción: Javier García, Euge Tobal, Paola Traczuk
Dirección: Paola Traczuk


Web: https://www.facebook.com/letalteatro/

Duración: 40 minutos
Clasificaciones: Teatro, Adultos

EL GATO VIEJO
Av. Del Libertador 405 
(mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 15-6909-9372
Web: 
http://www.facebook.com/teatroelgatoviejo

Entrada: $ 200,00 - Viernes - 23:00 hs - Hasta el 26/05/201
                                


lunes, 8 de mayo de 2017

El vacío es un lugar que puede incendiarse, sobre Fuego todo de Jorge Eiro.

Por Gabriela Pignataro

Celebrar un desguace, bajo las sombras de las guirnaldas de lo funesto. ¿Cómo brindar con la copa llena, en advenimiento del vacío?
Mientras aguardamos en el espacio que antecede a la sala,  nos sorprende con maquillaje corrido y caras transpiradas, el desaliño de un fin de fiesta que tiene un dejo amargo en los gestos de los protagonistas. Un hombre recuerda con melancolía cuando en ese galpón, ahora vacío, se acudía a la génesis mecánica de una industria: la producción de máquinas embaladoras en manos de los trabajadores. Sus compañeras (intentan) animarlo, con el esfuerzo de estar empujando una fuerza invisible pesada que lo humedece todo.  Un fuera de campo que epiloguea, una advertencia: la fábrica supo ser una familia. Y todo indica que los vientos han cambiado. Y no a favor.
Algo se tensa en el ambiente, el dibujo de lo incendiario. La fiesta termina mal, entre los enredos particulares, los rechazos y la estampida colectiva: un estruendo proviene de la oscuridad, el caos es una forma de ordenar los principios de una tragedia singular que exorciza las partes del todo.
Asistimos al espejo de nuestros días, que es a su vez, la réplica del vertiginoso caimán neoliberal que a dentada limpia desgrana (y ha desarmado) el corazón de lo común: los vínculos solidarios, de red y sostén se hallan indudablemente vapuleados por la hincada del reptil.
Una empresa mediana, de fondos familiares, que supo ser hogar para sus trabajadores, transforma su cotidianeidad al fusionarse para dejar de producir maquinaria y en cambio, importar. El resultado de la mixtura degradante son compañeros cesanteados y alteraciones en la flora y fauna de ese universo que llamamos, oficina. Roles que se superponen, competencia, despotismo y temor: cualquiera puede ser el próximo.
La tendencia biologicista se manifiesta: hay quienes se fortalecen a costa de debilitar a otros, para sobrevivir la coyuntura, hay quienes intentan equilibrar el ecosistema, hay quienes, se juegan su ética ante la dominación: no caerán aunque aquello, les valga perecer.



Fuego Todo, compone de manera estratégica la postal de un vaciamiento, evidenciando las tramas subjetivas, latentes que erupcionan en la crisis. Con una naturalidad asombrosa, convincente y no por ellos, desprovista de sorpresa, ritmo y el tono locuaz, ávido  y fluido de los diálogos, nos lleva sin fichar a los ardides cotidianos de las oficinas, que pueden tornarse en agitados océanos plagados de tiburones buscando morder la presa posible. El esqueleto invisible y punzante de la dominación, de la que participamos alguna vez corriendo por nuestro pellejito, o mirando hacia la ventana cuando la máquina comienza a sangrar.
El despliegue escénico, amerita resaltar el ingenioso uso de los espacios en la construcción de capas de sentido, distancias focales para el desarrollo dramático: la escena y sus post- escenarios que funcionan como anticipos, insights de algo que vendrá, tentando al espectador a ampliar su atención, provocando la sensación de que algo está creciendo detrás y será imposible, detenerlo.
En un tono de humor y sarcasmo, no deja de destellar pequeños momentos de profunda intimidad en medio de la debacle y la vorágine: el roce de una mano con otra, la intensidad de algunas miradas que desvían la inercia de los otros, formas de transcurrir el incendio.
Cuál es el llamado de lo común, quiénes son tus compañeros, qué banderas levantás, cómo recomponer este vacío. Preguntas. Y más que preguntas, las sentencias de nuestros recuerdos. La herencia del trabajo como un yugo y el campo de batalla, de todos los derechos.

"Sabemos compañeros que la mejor manera de enfrentar este atropello es estar unidos, porque ellos (los patrones), si que lo están. Y buscarán todas las maneras para que nosotros nos dividamos y no nos enfoquemos en el objetivo que es uno: pensar cómo les ganamos esta pelea"
¡Trabajador que lucha no está solo!


Ficha técnica
Dramaturgia: Jorge Eiro, Pablo Elías Quiroga
Actúan: Perla Alvarez, Lisandro Armas, Maria Fernanda Benavides, Mariana Bruno, Javier Goya, Rosana Lamanna, Emiliano Lamoglie, Leandro Lara, Cecilia Lucas, Jorge Noguera, Luz Panizzi, Julián Perez, Rocio Perez Silva, Beatriz Rajland, Manuela Sánchez Almeyra, Lucio Santilli, Georgina Serafini
Vestuario: Manuela Sánchez Almeyra, Georgina Serafini
Escenografía: Estefanía Bonessa
Diseño de luces: Rocío Caliri
Fotografía: Matías Alvarez, Laureano Cavs, Luz Soria
Diseño gráfico: Romina Juejati
Prensa: Octavia Gestión Cultural y Comunicación
Producción: Luz Panizzi, Rocio Perez Silva
Dirección: Jorge Eiro

TIMBRE 4
México 3554 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Teléfonos: 4932-4395
Web: http://www.timbre4.ccom
Entrada: $ 200,00 - Viernes - 23:30 hs - Hasta el 28/07/2017



El equipaje de los sueños, sobre Proyecto Migrantes de Andrea Castelli
Por Gabriela Pignataro

Las aves migran en búsqueda de alimento, de horizontes más soleados, de vientos portadores de presagios. Así ha sido desde hace miles de años. Sus rutas aéreas han atravesado las guerras, las bombas atómicas, las revoluciones, los avances tecnológicos.
Migrar, parece ser en la historia, una línea continua, paralela con sus propios descansos y vértigos.
En la tierra de los que no vuelan, también se cruzan las fronteras. A pie, en camiones, en micros, en aviones, escondidos y también con certificados. Colectividades y singularidades, para quienes la extranjería es una nacionalidad móvil, cercada de miradas, de presunciones y de incertidumbre.
Parece ser también, que hay una escencia inmutable en la condición migrante que se relaciona de diversas formas con las contingencias: el destierro es un lugar sin certezas, un caleidoscopio donde ilusión y realidad se deforman, y forman entre sí el escenario de lo habitable.
¿Cuántas distancias hay entre cruzar la frontera en 1930 y hacerlo ahora? ¿Qué tanto se han transformados los escenarios del exilio? ¿Cómo narrarlo sin estadísticas, con la sensibilidad de las experiencias?




     Proyecto Migrantes, trae por primera vez a la argentina dos obras: El papalote azul y La Balsa de Ekeka, que narran dos historias dónde emigrar moviliza los cielos, el color de las flores, los cantos de las abuelitas: hay algo insalvable en el viaje, y hay algo persistente, que guarda el corazón.
Dos niñas que salvan la distancia entre México y Estados Unidos con cartas, que en un papalote azul las transportan a cada una al lado de la otra haciendo pequeños hogares en la soledad. Cata y Amelia, construyen un mundo propio, compartido, dónde los sueños y la lengua ancestral de los muertos las protejen del desierto que las separa.
Dos mujeres paceñas que a caballo de su amor y el deseo, se enfrentan al engaño del paraíso prometido. El arrojo poderoso de lo amoroso, flecha y armadura para cabalgar los barrios extraños, las miradas juiciosas, la desilusión y la explotación capitalista de los cuerpos. El manto protector de la Ekeka, un techo más brillante en la oscuridad.



La dimensión sonora y los objetos, son llevadas en estas obras a una zona de precisión dramatúrgica que abre en escena líneas invisibles a imágenes ausentes, que se traen en cada uno de ellos. La función ritualizante de los mismos, concentra de manera potente profundos desplazamientos semánticos y re-configuraciones que nos entregan nuevos sentidos; la conversión mágica del mercado de amuletos de La Paz se hace presente y cumple su conjuro sobre los días.
Bajo una estética visual que conversa lo folklórico tradicional con lo kitsch, acompaña el despliegue textual que nunca pierde una punzante clave humorística inscripta en el tono poético que caracteriza a toda la obra.
Los modos poéticos de la narración construyen distancias que abren pasadizos a sutilezas, intimidades, bellezas de lo transhumante que son refugios en los senderos del extranjero. Fractura así, los lugares comunes, la pantalla mediática del morbo, la liviandad acaso siniestra de los discursos adversativos sobre los inmigrantes, la desposeída configuración del otro colmado de prejuicios y preconceptos.
Lo poético puede ser político, y aquí lo es: precipita mundos que socavan las visiones llanas, enciende pequeñas llamas para un fuego colectivo.
Dos niñas tejen abrazos en el cielo, dos mujeres cruzan con el deseo en el pecho. ¿Cómo no viajar con ellas?

Ficha técnico artística:
Guión: Andrea Castelli, Violeta Robledo.
Realización de títeres: Violeta González, Cynthia Pineda.
Diseño gráfico: Natalia Battelini.
Colaboración en vestuario: Abril Rosenrauch Bonetto.
Colaboración en difusión: Laura Castillo.
Producción: Mauro Ibarra, Carina Mele.
Dirección: Andrea Castelli.
Actúan en Papalote Azul: Violeta González y Cynthia Pineda.
Actúan en La balsa de la Ekeka: Berenice De La Cruz, Olivia Torrez.
Duración 80 minutos.

Sábado 6 y domingo 7 de mayo, 21 hs en Teatro la Volterera. Segurola 2357. CABA
Entrada $150.



Alta tensión. Sobre “La culpa de nada” de Victoria Hladilo

Alta tensión
Sobre “La culpa de nada” de Victoria Hladilo

Por Vivi Montes


            ¿Cuál es el preciso instante en el que las buenas intenciones mutan a desastre? ¿Cuándo el deseo de reparar nuestros vínculos da paso a la destrucción total? ¿Cuáles son los micro pactos que sostienen un sistema de relaciones violentas y perversas?

            Victoria Hladilo, autora y directora de La sala roja, vuelve a indagar en el enroscado mundo de las relaciones humanas y revela la cara oculta de los grupos sociales desplegando una sucesión de escenas tan tensas como impactantes. La puesta mantiene al espectador en vilo, atento a cada movimiento de los personajes, intentando capturar cada palabra dicha por lo bajo porque todo el tiempo se percibe una tensión que requiere un esfuerzo mayor de atención para reconocer lo no dicho que habita en y envilece los vínculos entre las parejas que integran este grupo de amigos que protagoniza La culpa de nada.

            Una fiesta sorpresa, un esfuerzo por reparar la pareja, por llevar adelante un proyecto de familia. Un grupo de amigos judíos y esposas goi, una trama de secretos turbios que comienzan a brotar hasta cubrir toda la superficie de moho. Una suma de talentos, comenzando por Victoria Hladilo, que destaca por la efectividad del texto, la potencia de la puesta y por su comprometida actuación, siguiendo por la detallada y completa composición de personajes que presentan Julián Doregger, Mariano Farrán, Sabrina Lara, Julieta Petruchi y Manuel Vignau, personajes dispares que funcionan en un sistema complejo que late cada vez con más intensidad, pasando por la taquicardia y llega casi al borde del infarto. El resto de los lenguajes escénicos (vestuario, luz, sonido, escenografía) se integra y aporta fuerza a la construcción de un universo ficcional de notable intensidad.

            Esa fiesta es, todo el tiempo, una bomba a punto de explotar, una noche que transita de la sonrisa a la mueca de los dientes apretados por el odio, un enfrentarnos con esas pequeñas acciones, con esos pequeños pactos y esos secretos a voces que perpetúan el machismo y la violencia, incrementándola. La culpa de nada nos coloca frente a un mundo de relaciones que repudiamos pero que –aún- no somos capaces de desarticular y continuamos nuestros días, a pesar de todo, como si nada hubiera ocurrido.

Ficha artístico técnica:
 
Actúan: Julián Doregger, Mariano Farrán, Victoria Hladilo, Sabrina Lara, Julieta Petruchi y Manuel Vignau.
Dramaturgia y dirección: Victoria Hladilo / Asistente de dirección: Mercedes Quinteros /Asistentes: Lucás Imai y Javier Báez
Diseño de escenografía: Magalí Acha /Diseño de luces: Magalí Acha y Esteban Perroud /Diseño sonoro: Damián Turkieth
Vestuario: Laura Staffolani / Música original: Gabriel Chwojnik / Coreografía: Margarita Molfino / Realización de escenografía: Manuel Escudero
Fotografía: Luis Abadi / Diseño gráfico: Trineo / Prensa y Difusión: Simkin & Franco /Producción ejecutiva: Luciana Sanz y Germán García

Funciones: viernes 21hs
Teatro: El Camarín de las Musas

Dirección: Mario Bravo 960
Informes: 4862- 0655